Bienvenidos al blog de "Esculturas de Colombia", un blog para compartir y difundir este patrimonio artístico de nuestro país. Algunas esculturas de nuestras ciudades se convierten en sitios turísticos que debemos conocer... son parte de nuestros parques, de nuestra cultura y nos acompañan en nuestro diario vivir. Se convierten en parte de nuestra historia.
Raymond Grieg Mason nació en Birmingham (Gran Bretaña) en 1922 y falleció en París el 13 de febrero de 2010. Fue un escultor que se residenció en Francia... aquí tenemos un bajorrelieve que, para mi en particular, es una bella expresión artística que mezcla escultura con pintura.
París - Raymond Mason
Raymond Mason empleó el bajorrelieve como forma escultórica predominante en su producción artística. También trajo el color a sus esculturas: "Una escultura es inerte, mi meta es hacer que esté viva y sea vigente. Hago mis composiciones tan dinámicas como puedo y las coloreo porque quiero que gusten y que susciten el diálogo entre las personas. " Raymond Mason.
El trofeo del orinal de Duchamp y pinturas varias - Álvaro Barrios
Alvaro Barrios nos presenta esta gran exposición que surgió a partir de la serie de pinturas que se encontraba haciendo al momento de esta obra. Se trata de "sueños ilustrados", haciendo referencia a los textos de "Sueños con Marcel Duchamp". Se trata de una serie de "sueños ficticios" al rededor de la figura de Marcel Duchamp. Una particularidad de estos sueños es que casi siempre tienen textos y como normalmente va a la izquierda, la curadora dijo que "La leyenda del sueño" sería el título ideal de la exposición[1].
Álvaro Barrios conoció primero la ideología de Marcel Duchamp conociendo su ideología antes de conocer su obra, por lo que el artista considera que tiene influencias de Duchamp, pero desde el punto de vista conceptual, no desde el punto de vista formal[1].
Álvaro Barrios aprendió de Duchamp "...que el arte tiene un fundamento de tipo ideológico y que el resto de las cosas que lo rodean, incluyendo la técnica y la parte visual, son complementarias y accidentales..."[1].
A continuación se puede ver una entrevista con el artista Álvaro Barrios en donde complementa lo dicho anteriormente:
Álvaro Barrios suele entregar, en sus dibujos y obras, el gran galardón que este artista les entrega a los artistas cuando pasan de "artistas mediocres" a "artistas reconocidos". Este galardón es el trofeo del orinal de Duchamp, el cual ganó Álvaro Barrios en el 2011. Sin embargo, en este caso, el orinal representa también puede representar a un niño, tal como se aprecia en la siguiente pintura:
EL BEBÉ DORMIDO ES RESCATADO DE LA NAVE EN LLAMAS POR UN AUTOMOVILISTA QUE PASABA POR ALLÍ CASUALMENTE...
¡SANTO CIELO!
¡ES UN NIÑO!
"OBRA DE ÁLVARO BARRIOS"
Para entender esta obra de Álvaro Barrios, es interesante conocer un poco de Marcel Duchamp y específicamente sobre "El urinario de Marcel Duchamp". Por esto los invito a escuchar a Rafael López hablando de Ready-Made y específicamente del Ready-Made de Marcel Duchamp cuando intentó exponer un urinario en una muestra organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York, donde tituló esta obra "La Fuente (Fountain)", firmada como "R. Mutt". Los invito a escuchar este vídeo:
Aquí tenemos el Ready-Made de Álvaro Barrios:
La copa Duchamp - Álvaro Barrios
La copa Duchamp - Álvaro Barrios
Otro vídeo que nos puede ayudar a entender la obra del artista Álvaro Barrios, es el vídeo titulado "Álvaro Barrios recíproco: Los Readymade de Duchamp como objetos Re-encontrados", realizado por Albeiro Arias cuando era estudiante de doctorado en artes mención artes visuales. Se trata del proyecto de grado del artista Albeiro Arias, en donde nos explica qué es el Readymade Recíproco. Aquí hace referencia a varios Readymade, uno de los cuales se mostró en esta exposición: "Con mensaje escondido por Álvaro Barrios, para abrir en un futuro lejano". Este vídeo nos ayuda a entender mucho mejor esta exposición del artista Álvaro Barrios.
En la página de la Red Cultural del Banco de la República en Colombia (Banrepcultural) se describe la obra de la siguiente manera:
"Reconocido como un dibujante excepcional, uno de los pioneros del arte conceptual en Colombia y —según el comité de adquisiciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York— “quien logró expandir el concepto y el alcance del grabado en la historia del arte”, el barranquillero Álvaro Barrios es uno de los artistas colombianos más importantes de las últimas décadas. Bajo el título La leyenda del sueño, la curadora María Belén Sáez de Ibarra hace una revisión retrospectiva de la obra del artista a partir de varios aspectos que ella considera fundamentales para entender su trabajo: la investigación esotérica, las prácticas espiritistas y la dimensión instalativa y conceptual.
Álvaro Barrios: La leyenda del Sueño reúne cerca de 90 obras, entre dibujos, pinturas, grabados, fotografías e instalaciones, que dan cuenta de más de 50 años de trabajo artístico. Entre las obras seleccionadas para la exposición cabe resaltar dos instalaciones inéditas de gran formato: El mar de Cristóbal Colón y Dick Tracy y la Esfinge de Diamantes, así como una pintura de 9 mts. de longitud, La multiplicación de los cuadros"[2].
Texto curatorial de la obra La leyenda del sueño de Álvaro Barrios
por: María Belén Sáez de Ibarra
Para facilitar la lectura del anterior texto curatorial... aquí está:
"ÁLVARO BARRIOS: LA LEYENDA DEL SUEÑO:
Esta exposición abarca cerca de cincuenta años del trabajo de Álvaro Barrios, desde los inicios de su carrera artística a mediados de los sesenta. A partir del extenso cuerpo de obras de estos años, la curaduría se ha ocupado en otorgar un espacio privilegiado a su faceta de instalador como nunca antes ha tenido el artista en su larto proceso expositivo. La exhibición está compuesta por obras que van del minúsculo formato hasta obras de gran despliegue en el espacio, todo ello contenido en otra gran instalación, que es la exhibición en sí misma, recreando así el mundo de Barrios, que fluye entre el micro y el macrocosmos. Esta dinámica moviliza la exhibición hacia asociaciones inéditas entre las piezas incluidas.
El interés de esta revisión ha sido enfocar la mirada hacia un aspecto que ha pasado casi inadvertido a la hora de observar sus propuestas, pero que quizás es el que mejor pueda ilustrarnos el proceso individual de crecimiento de Barrios como artista y ayudarnos a comprender en profundidad su proceso creativo como aquel que funciona en una constelación ampliada más allá del yo y la conciencia (en la zona de no-conocimiento), y su idea de que toda la existencia es un hábitat de relaciones múltiples, siempre en movimiento, que sobrepasan lo que socialmente hemos imaginado sobre el tiempo y el espacio.
Su proceso en este camino hacia la despersonalización y hacia otras formas de comprender que no somos autosuficientes, ni el centro del cosmos, lo han llevado por el camino del esoterismo implicado en las prácticas espiritistas.
Este devenir de las cosas en constante inestabilidad y movimiento es captado en el proceso creativo de Barrios en una estrategia que subyace a todo su trabajo: la apropiación. El readymade a través del cual se hace girar la rueda en flujos en donde las cosas se desvanecen, perdiendo su significado "original" y su unicidad, para volver a conectarse y, renovarse, investidas de distinta naturaleza y significado.
La apropiación así concebida es parte de su visión esencial del arte. El tio de readymade que usa Barrios en la mayoría de sus obras no solo involucra obras de arte ya hechas por otros artistas, sino también objetos-imágenes de la cultura. En su juego de apropiaciones trae a colación obras de Duchamp, además de introducir en sus trabajos hitos e imágenes de la historia del arte, incluyendo en todo ello iconografías de la historia de la cultura popular como superhéroes; personajes, estética y otros recursos de las tiras cómicas, y hasta canciones y poemas.
Sería justo decir que la mayoría de sus obras trabajan con múltiples apropiaciones simultáneas, o para decirlo al modo de Duchamp readymades recíprocos, provenientes de la cultura que vislumbra nuestro tiempo. De esta forma su trabajo artístico salta la frontera hacia el campo expandido de la cultura, en la vida de las imágenes colectivas.
Pero esta vida de las imágenes colectivas es recreada y compartida por Barrios en algo más allá de lo normal, expresado y vivido a través del mundo de los sueños. Aquel mundo onírico del que gustan los poetas, filósofos, magos y oculistas, que sucede en la conciencia dormida. Desde el sueño emulado, desde la fantasía, Barrios busca penetrar en lo vivido de la sociedad que nos habita, una crítica, un autoconocimiento de ella. En su juego de transpolar el tiempo en sus obras recurre a algo semejante a un futurismo arcaico como una crítica desde el presente, donde el pasado hospeda a lo que la sociedad, en su devenir causal, estaría abocada en el futuro.
El mundo onírico que se reafirma en esta revisión está fundamentado en la relación que el artista establece con lo desconocido, con la ruptura de la secuencia temporal, con el esoterismo, y con la coexistencia que tiene todo ello en el mundo material, percibido por él como un mundo que hospeda paralelamente otros mundos posibles.
En la muestra se señala la fuerte presencia de referencia a las obras de Marcel Duchamp como leitmotiv en la obra de Barrios. La apropiación que Barrios hace de Duchamp constantemente opera como contrasentido: está abierta a los juegos que implica la propia obra de Duchamp. La operación de apropiación ha consistido en controvertir y llevar al margen de la provocación la noción y los valores de la obra de arte para la sociedad y para los propios artistas.
Podríamos mirar la relación de BArrios con Duchamp a través de un espejo que refleja su empatía con Duchamp-artista-pensador, y su común interés por las zonas de no-conocimiento y el esoterismo. También ahí se reflejaría la ironía que tanto frecuentó Duchamp; con divertido humor Barrios gusta señalar el fetichismo del comercio, del coleccionismo y del sistema del arte que tiende a sacralizar, y al mismo tiempo banalizar, las obras de arte que indefectiblemente transitan por él".
María Belén Sáez de Ibarra
Curadora
La destrucción del planeta Kryptón:
"Cuán plácidamente duerme nuestro pequeño tesoro". "La nave espacial construida por Jor-El". 2008 Acrílico sobre lienzo Díptico 77 x 300 cm cada uno.
La destrucción del planeta Kryptón:
"Cuán plácidamente duerme nuestro pequeño tesoro".
"La nave espacial construida por Jor-El".
2008
Acrílico sobre lienzo
Díptico 77 x 300 cm cada uno.
La destrucción del planeta Kryptón:
"Cuán plácidamente duerme nuestro pequeño tesoro".
"La nave espacial construida por Jor-El".
2008
Acrílico sobre lienzo
Díptico 77 x 300 cm cada uno.
La destrucción del planeta Kryptón:
"Cuán plácidamente duerme nuestro pequeño tesoro".
"La nave espacial construida por Jor-El".
2008
Acrílico sobre lienzo
Díptico 77 x 300 cm cada uno.
San Sebastián con niño
2013 Caja de luz, Copa Marcel Duchamp, talla colonial en madera, hilo, hojas secas, espejos 200x100x60 cm. aprox.
La rueda de la compensación universal
Ensamble, sombra proyectada y manuscrito sobre pared
135 x 35 x 35 cm
El manuscrito dice: Este es el universo.
Tu eres una línea en el universo.
Tú ere un alma en el universo.
El universo es un alma dentro de tí
Este es el misterio .
La rueda de la compensación universal
Ensamble, sombra proyectada y manuscrito sobre pared
135 x 35 x 35 cm
El manuscrito dice: Este es el universo.
Tu eres una línea en el universo.
Tú ere un alma en el universo.
El universo es un alma dentro de tí
Este es el misterio .
La rueda de la compensación universal
Ensamble, sombra proyectada y manuscrito sobre pared
135 x 35 x 35 cm
El manuscrito dice:
Este es el universo.
Tu eres una línea en el universo.
Tú ere un alma en el universo.
El universo es un alma dentro de tí
Este es el misterio .
Dos vasos con agua magnetizada - Álvaro Barrios
Dos vasos con agua magnetizada - Álvaro Barrios
Clark, ¿No crees que tu pasión por Marcen Duchamp está sobrepasando todos los límites?
¡Esta obra ya es parte de mi vida, Luisa! !Nunca - me separaré de ella!
¡SHHHH!!
Álvaro Barrios
Clark, ¿No crees que tu pasión por Marcen Duchamp está sobrepasando todos los límites? ¡Esta obra ya es parte de mi vida, Luisa! !Nunca - me separaré de ella! ¡SHHHH!! Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
La última parte del grabado dice:
"...Esta es la copa "Campeón Mrcel Duychamp" ganada por Álvaro Barrios en 2010 que lo acredita como "El artista más Perfectamente Desarrollado del Mundo".
HAMBRE - VIOLENCIA - MUERTE - SILENCIO
1999
Collage sobre papel, vidrio esmerilado
52 x 94 cm cada una, 4 piezas
Colección Museo de Arte Moderno de Barranquilla
Comparto este texto de la exposición
María Belén Sáez de Ibarra
La pulsión conceptualista de Barrios lo lleva a perseguir, en su proceso creativo, la idea de que la mayoría de sus obras logren circular de un modo masivo en un campo expandido más allá del museo y de la institucionalidad artística. Lo consigue a través de lo que él llama los Grabados Populares, con los que ha trabajado, sin pausa, desde 1972, siete años después de su primera exhibición.
Los grabados populares son el destino último de buena parte de las obras de Barrios, aunque se produzcan luego de pasado algún tiempo o años después de "los originales". Su proceso inicia casi siempre a través del dibujo, medio que maneja con gran virtuosismo desde muy temprana edad y que combina con el conocimiento que tiene de las técnicas del color y los materiales pictóricos. Del dibujo pasa a la tinta o a la acuarela, llevando la misma imagen a la pintura y luego a la impresión, con las mismas técnicas de los periódicos y las revistas, para lograr el producto final de su pieza en tirajes de miles. Lo que en principio es una obra única en su medio, se despliega en las reproductibilidad de los medios masivos con las técnicas del momento.
A Barrios, además de la reproductibilidad técnica como un medio de circulación para llevar su obra al encuentro con el espectador anónimo que distraídamente pasa las páginas de un periódico, también le ha interesado el uso de la reproducción técnica de imágenes para desarrollar muchos de sus proyectos de instalación.
Desde su infancia siente fascinación por los periódicos -las tiras cómicas de los periódicos han sido una de sus fuentes de apropiación desde niño-, le atraen la consistencia del papel impreso y su innata vocación de ser multiplicado en el tiraje que se quiera. Este es un recurso típico del conceptualismo -entendido aquí como uno de los ismos de las vanguardias del siglo XX-, que tiende a trabajar con el mímico recurso en esfuerzo físico y en capital económico y humano, y desde donde la obra se expande y se contrae según se requiera. La idea allí inscrita se mueve con toda eficiencia a cualquier sitio y se adapta a los lugares como una "hoja volante".
Barrios hace uso, por igual, de la serigrafía y de las fotocopias, reproduciendo las imágenes de la forma más simple y al alcance de todos, en una democratización de la producción de la obra de arte y de su recepción. Por supuesto, en ello está implícito el pensamiento de que todos podemos ser sujetos de una acción comunicativa conceptualista sin importar si somos artistas o no.
María Belén Sáez de Ibarra
Curadora
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Repetición I - Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Fuente:
[1] "Entrevista con Álvaro Barrios: Leyenda del sueño". Revista Arcadia.com. Consultado el 22/11/2018 en: https://www.youtube.com/watch?v=h6aVErUflTo
[3] Álvaro Barrios. La leyenda del sueño. Curadora: María Belén Sáez de Ibarra. Revisión retrospectiva. Salas A y B, salas de Fundiciones. Consultado el 23 de noviembre de 2018 en http://elmamm.org/Exposiciones/Detalle/Id/37
Artista: María Elvira Escallón (londres, Inglaterra, 1954). Material: Hierro esmaltado y mobiliario de hospital modificado Fecha: 2007
En estado de coma - Serie Extracciones - María Elvira Escallón
En 2005, María Elvira Escallón comenzó una investigación sobre el hospital San Juan de Dios en Bogotá que desarrolló en varias etapas. Inició con el registro fotográfico del estado del lugar y continuó con entrevistas, producción de intervenciones en sitio y creación a partir de objetos encontrados. El San Juan de Dios, fundado en 1564, se constituyó, a lo largo de su historia, como el hospital universitario y centro de investigación más importante del país por su infraestructura y la atención que brindaba a la ciudadanía. Fue clausurado en 2001 por decisiones políticas de Estado. Las camas cortadas e incrustadas en el muro de su instalación En estado de coma son un testimonio del patrimonio en abandono así como un homenaje a las personas que quedaron huérfanas de este servicio y a los mismos empleados, algunos de los cuales permanecieron durante años en el edificio abandonado.
Esta obra la encontré en el Museo de Arte Miguel Urrutia (MAMU), ubicado en la carrera 4 con calle 11 de Bogotá, junto al museo Casa de la Moneda.
María Elvira Escallón se formó como artista en diferentes talleres y centros académicos. Tiene una maestría en Teoría e Historia del Arte de la Universidad Nacional de Colombia. Desde 1980 su trabajo ha sido incluido en múltiples eventos artísticos en Colombia, y ha recibido varios reconocimientos como la Beca Nacional de Creación Individual 2015, 2006 y 2000; el Premio de Patrimonio 2014; el I Premio del Concurso Luis Caballero 2003, y el I Premio Salón Regional de Bogotá 1997.
En estado de coma - Serie Extracciones - María Elvira Escallón
Fuentes:
[1] María Elvira Escallón. X Premio Luis Caballero. Consultado el 22 de noviembre de 2018 en http://premioluiscaballero.gov.co/project/maria-escallon/
Material: Mesas, concreto, grafito, monedas y borradores
Historia colonial del caucho - Felipe Arturo
El contenido de la ficha de la obra es el siguiente:
Colección de Arte del Banco de la República AP5344 (Ingreso a la colección, diciembre de 2013)
La historia colonial del caucho está compuesta de un tablero ajedrezado (diseño basado en los mosaicos de los pisos de herencia colonial portuguesa existentes en lugares como Iquitos, Manaos, Santarem o Belem), cuyas casillas redondas y rectangulares están pintadas con esmalte blanco y grafito, y unas fichas de juego, consistentes en borradores y centavos de dólar, que representan el intercambio económico de la explotación del caucho en Suramérica. Esta obra fue exhibida en el 43 Salón Nacional de Artistas de Medellín y el público inventó sobre ella juegos de mesa que fueron desgastando la superficie del tablero y el resto de las piezas. El juego se convirtió en un proceso erosivo en donde los borradores se desgastaron, las monedas se dañaron y el tablero se desdibujó. Aunque la obra se aleja de la representación directa de hechos históricos, el actor de jugar y de observar una representación del territorio erosionado tiene el potencial de activar la memoria colectiva sobre los sucesos acaecidos en los países con territorios amazónicos, a finales del siglo XIX y parte del XX, durante la fiebre del caucho.
Se trata de una mesa de siete metros de largo por cuarenta centímetros de ancho en el que uno no sabría qué jugar... En este tablero gigante se pueden ver una serie de borradores y de monedas que invitan a jugar, aunque la majestuosidad de la obra le dice a uno que ni se atreva a ponerle un dedo encima.
En la revista Diners, se encuentra el artículo titulado ""Es hora de cambiar el patrón": Felipe Arturo"[1], escrito por Claudia Arias, el artista dice: "...el proyecto alude a la relación de las materias primas, en este caso borradores y dinero y, como en muchas economías se extrae una materia prima para ser explotada para ganar dinero, hay un proceso de erosión: se erosiona el territorio, se desgastan los materiales, pero en la vida real el dinero no se desgasta, el capital se maneja de manera abstracta, entonces nunca se desgasta; pero aquí, al tener un valor material, las monedas en ese proceso de raspar, también se desgastan, lo cual permite una pequeña transformación simbólica en el juego...".
Es decir, este arquitecto hace una analogía entre los patrones gráficos y los patrones históricos, haciendo alusión al desgaste que dejó el caucho y que hoy pueden dejar otros trabajos tales como la minería.
En la revista Arcadia se encuentra una entrevista titulada "Colonialismo y modernismo conviven en nuestro tiempo": Felipe Arturo", escrita por Susana Rico[2] el día 2017/11/02, en donde se hace referencia al artista de la siguiente manera: "...Felipe Arturo es artista, arquitecto y conocedor del medio ambiente. Su trabajo artístico se acerca al urbanismo, los fenómenos sociales y la historia de las ciudades. Su más reciente exposición El Río Persigue La Gravedad es una muestra antológica creada a partir del resultado de viajes por la cuenca del río Amazonas, el Caribe, México y la Península Ibérica. Influenciado por La Vorágine de José Eustasio Rivera, las representaciones históricas del caucho creadas por Doris Salcedo y Beatriz González, el arte brasileño y antiguas representaciones culturales, Arturo expresa en diversos formatos un análisis que hace sobre la colonización y el debate constante entre ruralidad y urbanidad. Conversamos con él sobre su obra...".
Debido al tamaño de la obra, los invito a verla en el vídeo...
El busto del explorador y conquistador Francisco de Orellana se encuentra en el parque que lleva su nombre: Parque Orellana, ubicado en la carrera 11 entre calles 7 y 8 del municipio de Leticia. Se trata de un busto sin ninguna placa que permita identificar su escultor o el material del que está hecha la escultura (al parecer de bronce a la cera perdida).
Francisco de Orellana - Leticia, Amazonas
Fotografía: Mario Cataño
Francisco de Orellana nació en 1511 en el municipio de Trujillo, Extremadura y falleció en el río amazonas en noviembre de 1546. Fue uno de los más ricos conquistadores españoles de la época, que participó en la conquista del Imperio Inca, fundador de la ciudad de Guayaquil. La ubicación de esta escultura en Leticia está relacionada con su historia, debido a que, junto a Gonzalo Pizarro, organizó una expedición en la que se descubrió el río Amazonas.
Luego de volver a España y ser acusado y absuelto por cargos de traición presentados por Gonzalo Pizarro, regresó al Amazonas, donde falleció junto a la mayor parte de su tripulación, sin saber específicamente en qué parte del Amazonas ocurre esto.
De este explorador y conquistador se encuentran múltiples esculturas especialmente en Colombia y Ecuador, de las cuales cabe destacar:
El busto de Francisco de Orellana en el Parque Nacional - Bogotá, Colombia
Felipe Restrepo Acosta [CC BY-SA 4.0 (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)], from Wikimedia Commons
El busto de Francisco de Orellana en Guayaquil, Ecuador
Sageo [GFDL (http://www.gnu.org/copyleft/fdl.html) or CC BY-SA 4.0 (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)], from Wikimedia Commons
El busto Francisco de Orellana en Trujillo, Ecuador
Ximénex [Public domain], from Wikimedia Commons
Francisco de Orellana en el barrio de Guápulo en Quito, Ecuador.
Segundonome [Public domain], from Wikimedia Commons.
Site: https://es.m.wikipedia.org/wiki/Archivo:Francisco_de_Orellana.jpg
En la placa superior dice:
"La república del Ecuador
y la Junta de Extremadura
A Francisco de Orellana
Descubridor del Amazonas
Julio de 1995"
De antemano gracias a mi amigo Mario Cataño por su aporte (la fotografía) para esta entrada.
Ubicación: Esquina de Ayacucho con Junín (Calle 49 con Carrera 49)
Material: Fibra de vidrio recubierta de poliuretano negro brillante, acero inoxicable.
Desde octubre de 2015 se instaló en el centro de Medellín, esta gran esfera que atrae la mirada de todos los transeuntes de la zona. Está ubicada en un corredor peatonal por donde diariamente pasan miles de personas para y desde su trabajo. Con esta se busca cambiar la cara del centro y especialmente del corredor vial del tranvía, buscando que este sea un corredor cultural para la comunidad de Medellín.
Esfera Pública - Fredy Alzate Gómez
En el artículo de "El Mundo.com" titulado "Esfera pública transforma la calle Ayacucho" el artista dice: "la escultura Esfera pública se establece como zona de cruce, abierta a dinámicas que impliquen el reconocimiento de la arquitectura, el paisaje y la configuración de un lugar social, para alertar imaginarios y establecer narrativas que aludan a topografías que rige el paisaje y la experiencia del ciudadano en el Valle de Aburrá"[1].
Sobre el artista: Fredy Alzate Gómez nace en 1975 en el municipio de Rionegro, Antioquia. Ha trabajado como docente en la Universidad Nacional (sedes Medellín y Bogotá), en la FUndación Universitaria Bellas Artes de Medellín, en la Universidad Eafit y como docente ocasional en la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia.
En la página de la galería "delinfinito" se encuentra una biografía del artista, en donde dice: "...Fredy Alzate se graduó en 2000 como maestro en Artes Plásticas de la Universidad de Antioquía y en 2006 como Magíster en Artes Plásticas y Visuales de la Universidad Nacional de Bogotá. En 2013 realizó una residencia artística en Saint-Cirq-Lapopie, Maison des arts Georges Pompidou, Francia. En 2012 recibió una nominación al VII Premio Luis Caballero por la Alcaldía de Bogotá (Colombia), la Beca de Creación al Premio en Escultura por la Alcaldía de Bogotá (Colombia) y una Mención de Honor en la 2º Bienal de Artes Plásticas y Visuales de la FGAA (Bogotá, Colombia) y en 2000 recibió el Primer Premio del XIX Salón Arturo y Rebeca Rabinovich, por parte del Museo de Arte Moderno de Medellín (Colombia)..."[2]. En la citada biografía de Fredy Alzate se puede consultar más sobre su obra, su educación, sus exhibiciones individuales, sus exhibiciones colectivas (una selección), sobre la participación en ferias internacionales y bienales, sobre los premios y distinciones y sobre las colecciones públicas y privadas del artista.
En Esculturas de Colombia ya se había realizado una entrada con la exposición "Contingente" del artista Fredy Alzage Gómez, en donde este expone "Lugares en Fuga (Fleeing Places)" y otras obras, muy cerca de donde se encuentra esta exposición.
