Bienvenidos al blog de "Esculturas de Colombia", un blog para compartir y difundir este patrimonio artístico de nuestro país. Algunas esculturas de nuestras ciudades se convierten en sitios turísticos que debemos conocer... son parte de nuestros parques, de nuestra cultura y nos acompañan en nuestro diario vivir. Se convierten en parte de nuestra historia.
Escultura: Palomas que alzan vuelo
Artista: Anibal Gil Villa
Ubicación: Parte externa del Centro Comercial Punto Clave Avenida 30 (Av. Pintuco) con Avenida de los Industriales, cerca de la estación Industriales del Metro de Medellín.
Voy a comenzar con una frase que se encuentra en la página del artista (www.anibalgil.com), así: "Yo considero que el artista cuando trabaja necesariamente tiene que mirar hacia adentro porque es ahí donde está la expresión, el motor, los sentimientos".
Palomas que alzan vuelo - Anibal Gil Villa
El artista Anibal Gil Villa nació en 1932 en Don Matías, Antioquia. Estudió pintura en Italia donde se formó en la Academia de San Marcos y en diversos museos europeos. Antes de viajar a Europa estudio pintura con Rafael Sáenz. Es pintor, dibujante, grabador, escultor, realiza vitrales, etc. Es un artista muy versátil. En 1964 fundó el Taller de Grabado en el Instituto de Artes Plásticas de la Universidad de Antioquia.
Sus temas suelen ser: la figura de la paloma, el homenaje a la mujer y la constante presencia intimista, tal como lo dice el curador de la exposición "Mirando interiormente", realizada en marzo de 2015 en el Museo El Castillo.
Oscar Cerón, presidente de la Asociación de Artistas Gráficos Latinoamericanos dice que Aníbal Gil "es uno de los artistas más importantes de Colombia, estudió en Italia con maestros como Enrique Grau, Augusto Rendón y Fernando Botero, solo que Gil es más conocido en Antioquia, por su carrera en este lugar". Esto se dijo cuando La Asociación de Artistas Gráficos Latinoamericanos premió al artista Anibal Gil Villa[2]
Antiguamente esta escultura se ubicaba en la misma esquina, pero sobre la carrera 30, cuando no existía todavía el centro comercial Punto Clave.
Palomas que alzan vuelo - Anibal Gil Villa
Antigua ubicación
Palomas que alzan vuelo - Anibal Gil Villa Antigua ubicación
Ubicación: Parque sector sur del edificio Bancolombia - Medellín
Material: Bronce a la cera perdida.
Fecha: 28 de octubre de 2009
Sin duda, "El Pensador" es la más célebre escultura de Rodin, la cual fue inicialmente titulada "El Poeta" y luego "Dante Pensando". Está inspirada en La Divina Comedia de Dante, fue creada inicialmente para un supuesto Museo de Artes Decorativas de París, el cual nunca se construyó.
Las palabras de Rodin haciendo referencia a su escultura: "Un hombre desnudo sentado sobre una roca (...). Su cabeza sobre su puño, preguntándose. "Pensamientos fértiles lentamente nacen en su mente. Él no es un soñador. Él es un creador".
"El Pensador" - Nadín Ospina
El Pensador - Rodin Auguste
Luisalvaz [CC BY-SA 4.0 (https://creativecommons.org/licenses/by-sa/4.0)], from Wikimedia Commons
Esta escultura es parte de la inspiración de Nadín Ospina, porque la principal está en Superman, otro de esos personajes de la cultura pupular (tales como Mickey Mouse o Bart Simpson) en los cuales se basa el artista para sus obras.
Nadín se dejó seducir por la fantasía, por la magia del imaginario infantil y del pop, por los sueños y recuerdos de la niñez.
Esta es una obra que combina tanto esa importante obra de "El Pensador" de Rodín, con ese imaginario infantil que mantuvo siempre vivo Nadín, en este caso con el personaje "Superman".
Nadín habló de su escultura: "...Supermán genera un espacio de humor, así como una serie de preguntas con relación a los entrecruzamientos culturales que tiene particularmente esta ciudad que es tan mestiza, donde confluyen las grandes modernidades y una sociedad premoderna en la que el campo es todavía muy importante. Por eso este Superman tiene un toque de arriero y se convierte en un llamado de atención a ese mestizaje..."[1].
También es conocida por los empleados del banco que laboran en este gran edificio, como "Vivir Pensando" o "Vivir para el poder". Este es un gran aporte de Bancolombia para la cultura de Medellín y en general de Colombia.
El edificio tiene en su interior 17 obras realizadas por artistas colombianos contemporáneos, a las cuales se suman tres obras puestas en su interior: El pensador (Nadín Ospina), El caminante (Grupo Utopía) y Manglar de acero "Ricardo Cárdenas"[2].
No puedo dejar pasar esta entrada sin citar a Camilo Villa y María Adelanida Escobar, que tienen un gran artículo en su blog ¿En qué piensa Superman?. Comenzamos por el artículo "Análisis de la imágen Elegida", en donde se dice: "...Superman la escultura de Nadin Ospina, se encuentra este súper héroe pensando, tal vez una forma de cómo salvar el mundo, pero en vez de dedicarse más en la expresión de su cara, resaltó su vestimenta, se ve claramente que este hombre está pensando pero la forma de su cuerpo y los colores de su ropa como la capa el traje y sus botas hacen más énfasis en esta escultura. Este héroe, este hombre perfecto hace parte importante de la historia como símbolo del imperio Americano. Nuestra iconosfera se ha encargado de convertir a este súper hombre en más que una imagen, en todo un prototipo a seguir, un reflejo del hombre moderno..."[3].
Haciendo referencia a la reseña histórica de la obra, Camilo Villa en el blog ¿En qué piensa Superman? dice: "...Nadín quiso que esta escultura perteneciera a un lugar importante y conocido para la Ciudad, que según él genera un espacio de humor por lo que este Superman tiene un toque de arriero convirtiéndose en un llamado de atención al mestizaje y la multiculturalidad que se encuentra en la ciudad, donde confluyen grandes modernidades y una sociedad moderna..."[3]. finalmente la escultura se ubicó en Bancolombia - Medellín.
[3] Análisis de la imagen elegida. Blog ¿En quién piensa Superman?. Por Camilo Villa. Consultado el 30 de noviembre de 2018 en http://enquepiensasuperman.blogspot.com/
Esculturas: "Amantes I" y "Amantes II"
Escultor: Rodrigo Arenas Betancourt
Fecha: 1973
Técnica: Ensambles en basaltos verdes (Escultura en piedra)
Ubicación: En las afueras del Museo de Arte Moderno de Medellín - Parques del Río
Se trata de unas esculturas abstractas realizadas dentro de la serie amantes. Muy diferente a una de sus últimas series, también denominada amantes y de las cuales varias obras se quedaron comenzadas cuando el maestro falleció, y que son esculturas bastante elaboradas, más complejas y en bronce a la cera perdida. Aunque el maestro es reconocido por su obra monumentalista, estas obras son una parte importante de su historia y de su creación.
"Amantes I" y "Amantes II" - Rodrigo Arenas Betancourt
El curador de la galería De La Oficina, Óscar Roldán, director de la Extensión Cultural de la Universidad de Antioquia, se refiere a la serie de Amantes (específicamente refiriéndose a estos ubicados al frente del MAMM) como sus obras favoritas[1].
Hoy, cuando han pasado algo más de 99 años del nacimiento del maestro Rodrigo Arenas en Uvital (Fredonia), se sigue hablando mucho del gran artista que viene de escuela mexicana, considerada como una de las más importantes del siglo XX.
Estas son de esas obras que, la gente normal (no artistas, historiadores, etc), normalmente no identifica como una obra del maestro Rodrigo Arenas, especialmente porque estamos acostumbrados a su obra monumentalista. El artista dedicó mucho de su vida a grandes monumentos de la gesta de Independencia, ubicados en plazas principales de grandes ciudades o en espacios muy reconocidos de Colombia.
"Amantes I" y "Amantes II" - Rodrigo Arenas Betancourt
"Amantes I" y "Amantes II" - Rodrigo Arenas Betancourt
Ubicación: Avenida primera entre calles 36 y 37 - Montería.
Material: Bronce
Fecha: 27 de noviembre de 2015
María Barilla, elevando al aire su pollera, es la figura central de esta escultura titulada "Monumento al porro" y que se ubica a orilla del río Sinú en Montería (Córdoba) y que está acompañada con seis músicos que interpretan los instrumentos tradicionales del porro. Está ubicada en la Plaza Cultural del Sinú, que es un lugar destinado para realizar eventos culturales y como atractivo turístico.
Monumento al porro - María Barilla - Roy Pérez Villegas
Inaugurada el 27 de noviembre de 2015, se trata de una obra escultural realizada en homenaje al ritmo cordobés por Excelencia: el porro. En la inauguración y apertura de la plaza estuvieron el presidente de la época, el doctor Juan Manuel Santos Calderón y algunos alcaldes del país que estaban por ese entonces en la X Cumbre de Ciudades Capitales en Montería.
La obra se compone de la figura central: María Barilla (1883 - 1940) y seis esculturas más de bronce de músicos tocando instrumentos típicos del porro como el bombardino, el clarinete y el redoblante.
La placa de la escultura dice:
"PORRO, MANTA MUSICAL, CÓMPLICE,
COMPAÑERA DE LA HISTORIA. PIEL
CULTURAL DE MI PUEBLO"
Monumento al porro - conjunto completo - Roy Pérez Villegas
Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Si quieren saber de María Barrilla es mucho lo que hay que decir... aquí les recuerdo el libro "María Barilla, son de media noche", del escritor Lelis Enrique Movilla Bello, Editorial Astillas, el cual ganó el segundo lugar en el Concurso Nacional de Novela organizado por la Corporación Educativa del Caribe -CECAR- y Universidad de Córdoba.
Monumento al porro - Roy Pérez Villegas
Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Monumento al porro - vista posterior - Roy Pérez Villegas
Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Monumento al porro - Roy Pérez Villegas
Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Monumento al porro - Roy Pérez Villegas
Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Monumento al porro - Roy Pérez Villegas
Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Monumento al porro - Roy Pérez Villegas
Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Sobre el Artista: Roy Pérez Villegas nació en Barranquilla en 1955, es arquitectocarrocero, pintor, escultor y artista plástico. Como carrocero ha ganado 3 congos de oro en el Carnaval de Barranquilla.
Una de sus obras emblemáticas es el Monumento a la cumbia:
Jdvillalobos [Public domain], from Wikimedia Commons
Material: Bronce a la cera perdida sobre pedestal en piedra.
Peso: 650 kilos.
También conocida como "mujer" o "Figura Reclinada 92", fue una donación del maestro Fernando Botero, luego de que una placentera noche en Cartagena, en compañía de su esposa Sofía Vari, despidiendo el milenio, le surgiera la idea de donar esta bella escultura para hacer más acogedora esta bella Plaza de Santo Domingo. En Cartagena, muchos cartageneros e incluso los visitantes la conocen como la "Estatua de la Gorda Gertrudis". De hecho, encontré en el artículo de Manuel Pedraza titulado "La Gorda Gertrudis fotoleyenda" que el maestro Botero indicó que "...él mismo bautizó como Gertrudis..." esta gran escultura ubicada en la Plaza de Santo Domingo[4].
Figura Reclinada 92 ó "Gertrudis" - Fernando Botero Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Fernando Botero envío una carta de su puño y letra donde le decía a su amiga, la Alcaldesa Gina Benedetti, que "hoy amanecí generoso y por eso decidí regalarle la escultura a Cartagena, para colocarla en el sitio que vimos en la Plaza Santo Domingo[1].
Esta es una importante escultura que hace parte de la colección que el maestro Fernando Botero ha expuesto en los Campos Elíseos (París), en Lisboa, en Madrid, en Nueva York y en Washington.
En palabras de un amigo de las redes sociales, Andys Miguel Ortega Salas, en el artículo titulado "Plaza de Santo Domingo" de "El Rincón Colombiano", se refiere a esta escultura así:
"...La querida Gorda Gertrudis (Figura Reclinada 92): Esta es una de las esculturas más apreciadas en Cartagena de Indias por propios y turistas, esta escultura donada por el reconocido escultor colombiano Fernando Botero en el año 2000 a la heroica, se llama Figura reclinada 92, pero en Cartagena la bautizaron Gertrudis, la Gorda Gertrudis, la escultura detalla a una mujer obesa posando sin ropa de manera muy sensual sin una pisca de vergüenza.
Figura Reclinada 92 ó "Gertrudis" - Fernando Botero Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Algo muy curioso que podrán observar al ver esta escultura es el hecho de que los pechos están de un color mas claro y esto se debe a una leyenda que surgió alrededor de ella y es que si tocas sus pechos tendrás largas relaciones amorosas, ya sea por la leyenda o por lograr una buena pose para la foto del recuerdo, estos se han vuelto los pechos mas tocados de Cartagena de Indias..."[2].
Además he leído que también existe el mito de que, si agarras sus nalgas, la suerte estará de tu lado. E incluso se habla de que al tocar los senos o sus nalgas, estarás asegurando un pronto regreso a la ciudad de Cartagena. Realmente en mi opinión, esto va desgastando poco a poco la pátina de la obra; Sin embargo, según también lo he escuchado, el maestro Fernando Botero gusta de que la gente se acerque a sus obras y las toque, se apropie de ellas y las sienta cercanas. Entonces solo queda a la administración municipal realizar mantenimientos periódicos para restaurar la pátina de la obra y dejar que los cartageneros y los turistas puedan disfrutar de los senos y las nalgas más tocados de Cartagena. De hecho el artista pamplonés Alberto Camacho Serrano dijo: "La escultura es un arte para tocar y disfrutar tocando"[3]. Finalmente, las palabras del artista hacia esta obra fueron: "...Yo espero que la gente cuide la escultura y la acaricie con cariño... y ojalá no se vaya a montar nadie en ella...".
La placa de la obra dice:
"Figura Reclinada"
Donación del Maestro Fernando Botero a
la ciudad durante la administración de
la Dra. Gina Benedetti de Vjélez, Alcalde
Mayor de Cartagena de Indias D.T. y C.
14 de Abril de 2000
Figura Reclinada 92 ó "Gertrudis" - Fernando Botero Fotografía: Sandra Patricia Suárez T.
Artista: Rodrigo Arenas Betancourt
Material: Bronce y concreto
Dimensiones: 6 metros de altura aproximada
Peso: 8,5 toneladas aproximadamente
Fecha: 1957-1964
Ubicación: parque principal de Rionegro, Antioquia
Una gran escultura donde el general José María Córdoba se encuentra lanzando arengas en la batalla de Ayacucho. En su mano derecha lleva su espada señalando el enemigo, su cara muestra claramente el gesto dando órdenes a su ejército y debajo del caballo se encuentran cuatro lanceros amarrados entre si.
La importancia de esta escultura hizo que fuera ubicada en el anverso de la moneda de $10, en donde se encontraba el monumento del General José María Córdoba del Maestro Rodrigo Arenas Betancourt, junto con las expresiones "República de Colombia", "Córdoba" y el año de acuñación.
El 5 de diciembre de 1964, el presidente de entonces, el doctor Guillermo León Valencia, descubrió este gran monumento en su inauguración. Se trataba de un homenaje al general José María Córdova realizado tras el cumplimiento de un nuevo aniversario de la Batalla de Ayacucho, en donde este importante general se cubrió de gloria.
En Mioriente.com, en el artículo titulado ¿Sabes por qué hay un monumento en el parque de Rionegro?, se dice que: "...Según el historiador rionegrero, Carlos Zuluaga Marín, "desde el siglo XIX se trató de impulsar la imagen de José María Córdova, misma que históricamente había sido maltratada y deteriorada, por el hecho de no haber compaginado con los ideales de Simón Bolívar"[1]
Ubicación: Museo Rayo - Roldanillo, Valle del Cauca
El diseñador industrial y artista Jaime Gutiérrez Lega nace en la ciudad de Bucaramanga en 1932. Su pregrado lo estudió en Chowinart Art Institute de Los Ángeles y su posgrado en diseño interior en Belmonth Adult School e ingeniería de muebles en el instituto Lethy en Finlandia.
Sin título - Jaime Gutiérrez Lega
Luego de que regresa a Colombia comienza a trabajar rápidamente a reconocidas firmas de diseño como son: Ervico y Herman Miller. También comienza a trabajar con centros de enseñanza.
"...es una autoridad que ha trabajado durante 50 años en este campo y por medio del diseño ha desarrollado conceptos relacionados a los sistemas de producción, entre ellos La Silla Ovejo, el mayor ícono del diseño del mueble en Colombia o colección Muni, de muebles para niños con cero desperdicio en toda la línea de producción..."[1].
Sin título - Jaime Gutiérrez Lega
Cabina Telefónica - Jaime Gutiérrez Lega
Fuente: Transformaciones del teléfono público en el Parque Berrío[2].
Como historia del artista y diseñador industrial Jaime Gutiérrez Lega, se puede citar la primera cabina telefónica instalada en Medellín, específicamente en Villa Hermosa, El Bosque, Itagüí y Bello. Se trata de una cabina telefónica semiesférica o semiredonda transparente, con un disco abierto y un aviso en la parte superior que decía "Teléfono".
Raymond Grieg Mason nació en Birmingham (Gran Bretaña) en 1922 y falleció en París el 13 de febrero de 2010. Fue un escultor que se residenció en Francia... aquí tenemos un bajorrelieve que, para mi en particular, es una bella expresión artística que mezcla escultura con pintura.
París - Raymond Mason
Raymond Mason empleó el bajorrelieve como forma escultórica predominante en su producción artística. También trajo el color a sus esculturas: "Una escultura es inerte, mi meta es hacer que esté viva y sea vigente. Hago mis composiciones tan dinámicas como puedo y las coloreo porque quiero que gusten y que susciten el diálogo entre las personas. " Raymond Mason.
El trofeo del orinal de Duchamp y pinturas varias - Álvaro Barrios
Alvaro Barrios nos presenta esta gran exposición que surgió a partir de la serie de pinturas que se encontraba haciendo al momento de esta obra. Se trata de "sueños ilustrados", haciendo referencia a los textos de "Sueños con Marcel Duchamp". Se trata de una serie de "sueños ficticios" al rededor de la figura de Marcel Duchamp. Una particularidad de estos sueños es que casi siempre tienen textos y como normalmente va a la izquierda, la curadora dijo que "La leyenda del sueño" sería el título ideal de la exposición[1].
Álvaro Barrios conoció primero la ideología de Marcel Duchamp conociendo su ideología antes de conocer su obra, por lo que el artista considera que tiene influencias de Duchamp, pero desde el punto de vista conceptual, no desde el punto de vista formal[1].
Álvaro Barrios aprendió de Duchamp "...que el arte tiene un fundamento de tipo ideológico y que el resto de las cosas que lo rodean, incluyendo la técnica y la parte visual, son complementarias y accidentales..."[1].
A continuación se puede ver una entrevista con el artista Álvaro Barrios en donde complementa lo dicho anteriormente:
Álvaro Barrios suele entregar, en sus dibujos y obras, el gran galardón que este artista les entrega a los artistas cuando pasan de "artistas mediocres" a "artistas reconocidos". Este galardón es el trofeo del orinal de Duchamp, el cual ganó Álvaro Barrios en el 2011. Sin embargo, en este caso, el orinal representa también puede representar a un niño, tal como se aprecia en la siguiente pintura:
EL BEBÉ DORMIDO ES RESCATADO DE LA NAVE EN LLAMAS POR UN AUTOMOVILISTA QUE PASABA POR ALLÍ CASUALMENTE...
¡SANTO CIELO!
¡ES UN NIÑO!
"OBRA DE ÁLVARO BARRIOS"
Para entender esta obra de Álvaro Barrios, es interesante conocer un poco de Marcel Duchamp y específicamente sobre "El urinario de Marcel Duchamp". Por esto los invito a escuchar a Rafael López hablando de Ready-Made y específicamente del Ready-Made de Marcel Duchamp cuando intentó exponer un urinario en una muestra organizada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York, donde tituló esta obra "La Fuente (Fountain)", firmada como "R. Mutt". Los invito a escuchar este vídeo:
Aquí tenemos el Ready-Made de Álvaro Barrios:
La copa Duchamp - Álvaro Barrios
La copa Duchamp - Álvaro Barrios
Otro vídeo que nos puede ayudar a entender la obra del artista Álvaro Barrios, es el vídeo titulado "Álvaro Barrios recíproco: Los Readymade de Duchamp como objetos Re-encontrados", realizado por Albeiro Arias cuando era estudiante de doctorado en artes mención artes visuales. Se trata del proyecto de grado del artista Albeiro Arias, en donde nos explica qué es el Readymade Recíproco. Aquí hace referencia a varios Readymade, uno de los cuales se mostró en esta exposición: "Con mensaje escondido por Álvaro Barrios, para abrir en un futuro lejano". Este vídeo nos ayuda a entender mucho mejor esta exposición del artista Álvaro Barrios.
En la página de la Red Cultural del Banco de la República en Colombia (Banrepcultural) se describe la obra de la siguiente manera:
"Reconocido como un dibujante excepcional, uno de los pioneros del arte conceptual en Colombia y —según el comité de adquisiciones del Museo de Arte Moderno de Nueva York— “quien logró expandir el concepto y el alcance del grabado en la historia del arte”, el barranquillero Álvaro Barrios es uno de los artistas colombianos más importantes de las últimas décadas. Bajo el título La leyenda del sueño, la curadora María Belén Sáez de Ibarra hace una revisión retrospectiva de la obra del artista a partir de varios aspectos que ella considera fundamentales para entender su trabajo: la investigación esotérica, las prácticas espiritistas y la dimensión instalativa y conceptual.
Álvaro Barrios: La leyenda del Sueño reúne cerca de 90 obras, entre dibujos, pinturas, grabados, fotografías e instalaciones, que dan cuenta de más de 50 años de trabajo artístico. Entre las obras seleccionadas para la exposición cabe resaltar dos instalaciones inéditas de gran formato: El mar de Cristóbal Colón y Dick Tracy y la Esfinge de Diamantes, así como una pintura de 9 mts. de longitud, La multiplicación de los cuadros"[2].
Texto curatorial de la obra La leyenda del sueño de Álvaro Barrios
por: María Belén Sáez de Ibarra
Para facilitar la lectura del anterior texto curatorial... aquí está:
"ÁLVARO BARRIOS: LA LEYENDA DEL SUEÑO:
Esta exposición abarca cerca de cincuenta años del trabajo de Álvaro Barrios, desde los inicios de su carrera artística a mediados de los sesenta. A partir del extenso cuerpo de obras de estos años, la curaduría se ha ocupado en otorgar un espacio privilegiado a su faceta de instalador como nunca antes ha tenido el artista en su larto proceso expositivo. La exhibición está compuesta por obras que van del minúsculo formato hasta obras de gran despliegue en el espacio, todo ello contenido en otra gran instalación, que es la exhibición en sí misma, recreando así el mundo de Barrios, que fluye entre el micro y el macrocosmos. Esta dinámica moviliza la exhibición hacia asociaciones inéditas entre las piezas incluidas.
El interés de esta revisión ha sido enfocar la mirada hacia un aspecto que ha pasado casi inadvertido a la hora de observar sus propuestas, pero que quizás es el que mejor pueda ilustrarnos el proceso individual de crecimiento de Barrios como artista y ayudarnos a comprender en profundidad su proceso creativo como aquel que funciona en una constelación ampliada más allá del yo y la conciencia (en la zona de no-conocimiento), y su idea de que toda la existencia es un hábitat de relaciones múltiples, siempre en movimiento, que sobrepasan lo que socialmente hemos imaginado sobre el tiempo y el espacio.
Su proceso en este camino hacia la despersonalización y hacia otras formas de comprender que no somos autosuficientes, ni el centro del cosmos, lo han llevado por el camino del esoterismo implicado en las prácticas espiritistas.
Este devenir de las cosas en constante inestabilidad y movimiento es captado en el proceso creativo de Barrios en una estrategia que subyace a todo su trabajo: la apropiación. El readymade a través del cual se hace girar la rueda en flujos en donde las cosas se desvanecen, perdiendo su significado "original" y su unicidad, para volver a conectarse y, renovarse, investidas de distinta naturaleza y significado.
La apropiación así concebida es parte de su visión esencial del arte. El tio de readymade que usa Barrios en la mayoría de sus obras no solo involucra obras de arte ya hechas por otros artistas, sino también objetos-imágenes de la cultura. En su juego de apropiaciones trae a colación obras de Duchamp, además de introducir en sus trabajos hitos e imágenes de la historia del arte, incluyendo en todo ello iconografías de la historia de la cultura popular como superhéroes; personajes, estética y otros recursos de las tiras cómicas, y hasta canciones y poemas.
Sería justo decir que la mayoría de sus obras trabajan con múltiples apropiaciones simultáneas, o para decirlo al modo de Duchamp readymades recíprocos, provenientes de la cultura que vislumbra nuestro tiempo. De esta forma su trabajo artístico salta la frontera hacia el campo expandido de la cultura, en la vida de las imágenes colectivas.
Pero esta vida de las imágenes colectivas es recreada y compartida por Barrios en algo más allá de lo normal, expresado y vivido a través del mundo de los sueños. Aquel mundo onírico del que gustan los poetas, filósofos, magos y oculistas, que sucede en la conciencia dormida. Desde el sueño emulado, desde la fantasía, Barrios busca penetrar en lo vivido de la sociedad que nos habita, una crítica, un autoconocimiento de ella. En su juego de transpolar el tiempo en sus obras recurre a algo semejante a un futurismo arcaico como una crítica desde el presente, donde el pasado hospeda a lo que la sociedad, en su devenir causal, estaría abocada en el futuro.
El mundo onírico que se reafirma en esta revisión está fundamentado en la relación que el artista establece con lo desconocido, con la ruptura de la secuencia temporal, con el esoterismo, y con la coexistencia que tiene todo ello en el mundo material, percibido por él como un mundo que hospeda paralelamente otros mundos posibles.
En la muestra se señala la fuerte presencia de referencia a las obras de Marcel Duchamp como leitmotiv en la obra de Barrios. La apropiación que Barrios hace de Duchamp constantemente opera como contrasentido: está abierta a los juegos que implica la propia obra de Duchamp. La operación de apropiación ha consistido en controvertir y llevar al margen de la provocación la noción y los valores de la obra de arte para la sociedad y para los propios artistas.
Podríamos mirar la relación de BArrios con Duchamp a través de un espejo que refleja su empatía con Duchamp-artista-pensador, y su común interés por las zonas de no-conocimiento y el esoterismo. También ahí se reflejaría la ironía que tanto frecuentó Duchamp; con divertido humor Barrios gusta señalar el fetichismo del comercio, del coleccionismo y del sistema del arte que tiende a sacralizar, y al mismo tiempo banalizar, las obras de arte que indefectiblemente transitan por él".
María Belén Sáez de Ibarra
Curadora
La destrucción del planeta Kryptón:
"Cuán plácidamente duerme nuestro pequeño tesoro". "La nave espacial construida por Jor-El". 2008 Acrílico sobre lienzo Díptico 77 x 300 cm cada uno.
La destrucción del planeta Kryptón:
"Cuán plácidamente duerme nuestro pequeño tesoro".
"La nave espacial construida por Jor-El".
2008
Acrílico sobre lienzo
Díptico 77 x 300 cm cada uno.
La destrucción del planeta Kryptón:
"Cuán plácidamente duerme nuestro pequeño tesoro".
"La nave espacial construida por Jor-El".
2008
Acrílico sobre lienzo
Díptico 77 x 300 cm cada uno.
La destrucción del planeta Kryptón:
"Cuán plácidamente duerme nuestro pequeño tesoro".
"La nave espacial construida por Jor-El".
2008
Acrílico sobre lienzo
Díptico 77 x 300 cm cada uno.
San Sebastián con niño
2013 Caja de luz, Copa Marcel Duchamp, talla colonial en madera, hilo, hojas secas, espejos 200x100x60 cm. aprox.
La rueda de la compensación universal
Ensamble, sombra proyectada y manuscrito sobre pared
135 x 35 x 35 cm
El manuscrito dice: Este es el universo.
Tu eres una línea en el universo.
Tú ere un alma en el universo.
El universo es un alma dentro de tí
Este es el misterio .
La rueda de la compensación universal
Ensamble, sombra proyectada y manuscrito sobre pared
135 x 35 x 35 cm
El manuscrito dice: Este es el universo.
Tu eres una línea en el universo.
Tú ere un alma en el universo.
El universo es un alma dentro de tí
Este es el misterio .
La rueda de la compensación universal
Ensamble, sombra proyectada y manuscrito sobre pared
135 x 35 x 35 cm
El manuscrito dice:
Este es el universo.
Tu eres una línea en el universo.
Tú ere un alma en el universo.
El universo es un alma dentro de tí
Este es el misterio .
Dos vasos con agua magnetizada - Álvaro Barrios
Dos vasos con agua magnetizada - Álvaro Barrios
Clark, ¿No crees que tu pasión por Marcen Duchamp está sobrepasando todos los límites?
¡Esta obra ya es parte de mi vida, Luisa! !Nunca - me separaré de ella!
¡SHHHH!!
Álvaro Barrios
Clark, ¿No crees que tu pasión por Marcen Duchamp está sobrepasando todos los límites? ¡Esta obra ya es parte de mi vida, Luisa! !Nunca - me separaré de ella! ¡SHHHH!! Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
La última parte del grabado dice:
"...Esta es la copa "Campeón Mrcel Duychamp" ganada por Álvaro Barrios en 2010 que lo acredita como "El artista más Perfectamente Desarrollado del Mundo".
HAMBRE - VIOLENCIA - MUERTE - SILENCIO
1999
Collage sobre papel, vidrio esmerilado
52 x 94 cm cada una, 4 piezas
Colección Museo de Arte Moderno de Barranquilla
Comparto este texto de la exposición
María Belén Sáez de Ibarra
La pulsión conceptualista de Barrios lo lleva a perseguir, en su proceso creativo, la idea de que la mayoría de sus obras logren circular de un modo masivo en un campo expandido más allá del museo y de la institucionalidad artística. Lo consigue a través de lo que él llama los Grabados Populares, con los que ha trabajado, sin pausa, desde 1972, siete años después de su primera exhibición.
Los grabados populares son el destino último de buena parte de las obras de Barrios, aunque se produzcan luego de pasado algún tiempo o años después de "los originales". Su proceso inicia casi siempre a través del dibujo, medio que maneja con gran virtuosismo desde muy temprana edad y que combina con el conocimiento que tiene de las técnicas del color y los materiales pictóricos. Del dibujo pasa a la tinta o a la acuarela, llevando la misma imagen a la pintura y luego a la impresión, con las mismas técnicas de los periódicos y las revistas, para lograr el producto final de su pieza en tirajes de miles. Lo que en principio es una obra única en su medio, se despliega en las reproductibilidad de los medios masivos con las técnicas del momento.
A Barrios, además de la reproductibilidad técnica como un medio de circulación para llevar su obra al encuentro con el espectador anónimo que distraídamente pasa las páginas de un periódico, también le ha interesado el uso de la reproducción técnica de imágenes para desarrollar muchos de sus proyectos de instalación.
Desde su infancia siente fascinación por los periódicos -las tiras cómicas de los periódicos han sido una de sus fuentes de apropiación desde niño-, le atraen la consistencia del papel impreso y su innata vocación de ser multiplicado en el tiraje que se quiera. Este es un recurso típico del conceptualismo -entendido aquí como uno de los ismos de las vanguardias del siglo XX-, que tiende a trabajar con el mímico recurso en esfuerzo físico y en capital económico y humano, y desde donde la obra se expande y se contrae según se requiera. La idea allí inscrita se mueve con toda eficiencia a cualquier sitio y se adapta a los lugares como una "hoja volante".
Barrios hace uso, por igual, de la serigrafía y de las fotocopias, reproduciendo las imágenes de la forma más simple y al alcance de todos, en una democratización de la producción de la obra de arte y de su recepción. Por supuesto, en ello está implícito el pensamiento de que todos podemos ser sujetos de una acción comunicativa conceptualista sin importar si somos artistas o no.
María Belén Sáez de Ibarra
Curadora
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Repetición I - Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Álvaro Barrios
Fuente:
[1] "Entrevista con Álvaro Barrios: Leyenda del sueño". Revista Arcadia.com. Consultado el 22/11/2018 en: https://www.youtube.com/watch?v=h6aVErUflTo
[3] Álvaro Barrios. La leyenda del sueño. Curadora: María Belén Sáez de Ibarra. Revisión retrospectiva. Salas A y B, salas de Fundiciones. Consultado el 23 de noviembre de 2018 en http://elmamm.org/Exposiciones/Detalle/Id/37
_de_Auguste_Rodin_en_el_Museo_Soumaya_(02).JPG)
